Lighting the performance. Tendencias actuales de la iluminación en la puesta en escena musical

Los festivales de música han evolucionado a escalas estratosféricas en los últimos años, llegando a atraer a audiencias de hasta 200.000 personas. Uno de los principales retos de estos espectáculos es proporcionar una experiencia cohesiva para todos los espectadores, creando la atmósfera adecuada donde la música, como objetivo principal, sea complementada por el resto de las experiencias sensoriales, incluyendo en gran medida las visuales.

La iluminación juega un rol fundamental en los conciertos actuales. Ha evolucionado hasta convertirse en uno de los elementos protagonistas de la música en vivo. Un buen diseño de escenario con la iluminación correcta potencia la música presentada en los conciertos, creando suspensos, pausas y altibajos en los momentos culminantes para proporcionar la mejor experiencia al usuario, logrando incluso indicar el ritmo de la canción sin necesidad de conocerla previamente.

Más allá de escuchar música en vivo, el público busca un espectáculo que despierte todos sus sentidos. En este contexto, la iluminación ha pasado de ser un elemento funcional a ser un protagonista indispensable, capaz de transformar la percepción del espectador y de construir historias que convierten cada concierto en una experiencia multisensorial. Diseñar una puesta en escena que combine luces, música y narrativa es un reto que algunos artistas han abordado con propuestas innovadoras que marcan una nueva era en la producción de espectáculos. La investigación científica respalda la importancia de la iluminación en la creación de atmósferas. Según Tim Edensor en su artículo ‘Light design and atmosphere’, la iluminación no solo tiene cualidades estéticas, sino que también puede influir en la emoción y la percepción del público (Edensor, 2015).

Lejos de depender exclusivamente de pantallas LED gigantes que proyectan imágenes genéricas, las tendencias más destacadas en iluminación buscan crear atmósferas únicas, elevando el diseño escénico a una forma de arte. La iluminación no sólo amplifica la música; también construye historias visuales que convierten cada concierto en una experiencia multisensorial.

La banda alemana Rammstein, conocida por sus impactantes espectáculos de pirotécnia en vivo, ha llevado la iluminación escénica a un nivel completamente nuevo en su gira del 2019, el Europe Stadium Tour. De la mano del diseñador Roland Greil, el escenario se ha convertido en un protagonista más, una obra de arte en sí misma que refleja la esencia de la banda. Inspirado en tendencias de diseño cyberpunk, el concepto se basa en la creación de una atmósfera inmersiva donde la luz desempeña un rol fundamental, trascendiendo la función decorativa para convertirse en un elemento narrativo.

El diseño del escenario no se limita a cumplir con la funcionalidad de un espacio de conciertos. En palabras de Greil, el objetivo era crear “una extravagancia visual” que diera identidad única al espectáculo. El escenario es concebido de acuerdo a sus diseñadores como una imponente catedral neopunk, algo que responde al desafío de trasladar el impacto visual de los recintos cerrados a estadios abiertos, asegurando que la grandiosidad y esencia de Rammstein se mantuvieran intactas ante públicos masivos.

La iluminación, en este contexto, actúa como un medio para narrar historias y construir atmósferas. En vez de usar una pantalla gigante que proyecta imágenes, el escenario está diseñado para ‘hablar por sí solo’. Cada luz, cada destello, cada sombra, es parte de un lenguaje visual que complementa y eleva la música de la banda.

La pirotecnia, un sello distintivo de Rammstein, ha sido reinventada a través de iluminación LED. Esta transición amplifica el impacto visual introduciendo un nivel de precisión y versatilidad inalcanzable con métodos lumínicos tradicionales. Las luces LED, programadas con una sincronización exacta, crean efectos que emulan explosiones, llamaradas y movimientos de fuego, manteniendo la intensidad de las presentaciones de Rammstein, pero con un enfoque más sostenible y controlado.

El sistema de iluminación se compone de dispositivos modulares diseñados para ser transportables y adaptables a diferentes tamaños de estadios. Greil destaca que cada elemento de iluminación, desde proyectores hasta paneles LED, fue seleccionado específicamente para maximizar el impacto visual sin perder la esencia del espectáculo. Además, la estructura del escenario, diseñada como una pieza arquitectónica temporal, se convierte en un lienzo dinámico donde las luces se proyectan, cambian y evolucionan durante el espectáculo.

Una de las tendencias que este proyecto refuerza es la creación de escenarios que son obras de arte autónomas, capaces de transmitir emociones y mensajes más allá de lo que ocurre en las pantallas. En lugar de depender únicamente de recursos audiovisuales, el diseño de Rammstein enfatiza la fusión entre arquitectura, iluminación y narrativa, marcando una nueva era en la producción escénica musical.

El avance tecnológico también ha sido clave en esta gira. Greil pudo supervisar y dirigir aspectos del espectáculo de forma remota gracias a sistemas basados en fibra óptica, un enfoque que se popularizó durante la pandemia covid. Este modelo, previamente explorado en conciertos digitales como el de ABBA, permitió a Greil trabajar desde sus oficinas mientras la banda estaba de gira por Europa.

Este sistema no solo optimiza la logística, sino que también abre nuevas posibilidades para la producción de eventos en vivo, ofreciendo una flexibilidad sin precedentes en la gestión de espectáculos complejos.

El diseño escénico de Rammstein es un ejemplo sobresaliente de cómo la iluminación puede transformar un concierto en una experiencia sensorial completa.

Al abandonar la dependencia de pantallas gigantes y centrarse en la creación de una narrativa a través de la luz, la banda demuestra que los escenarios pueden ser mucho más que simples plataformas: pueden ser entidades vivas que transmiten emociones, cuentan historias y dejan una impresión duradera en el público.

En el apartado técnico, Greil describió su tarea principal: “Nuestra misión era mantener la iluminación alineada con la estética que Rammstein ha construido durante 25 años de giras. Esto no era solo otro espectáculo de pop o rock, era más parecido a una ópera rock, perfectamente escenificada. Mantuvimos el enfoque en la banda creando un lienzo para que pudieran actuar, con una escenografía y arquitectura únicas, un montaje con más de 1.000 luces y pirotecnia”.

El escenario, de estilo industrial y con elementos inspirados en Metrópolis y el steampunk, contaba con una pantalla de video de 9 x 5 metros montada en una torre de 38 metros de altura que se movía verticalmente. Los contenidos de video mostraron variaciones del logotipo de la banda e imágenes procesadas y distorsionadas. La torre también albergaba partes del sistema de iluminación móvil y pirotecnia en su cima. Además, se integraron piezas escénicas de gran tamaño, dos ubicadas al fondo del escenario y dos al frente, con accesorios de iluminación circulares.

Un conjunto de 128 luminarias teledirigidas se integró en las piezas circulares para proporcionar una iluminación estética. En el borde delantero de la torre se colocaron 18 Scenius Unicos proporcionando iluminación principal y lateral para la banda y que operaran con un sistema ‘Follow-me’ funcionando como focos de seguimiento clásicos. Las luminarias montadas en el lado trasero de la torre, con 20 unidades en cada uno de los dos verticales y ocultas a la vista, creaban sombras y siluetas interesantes en el escenario, mientras que sus rayos formaban halos similares a los del sol.

Esta apuesta por la innovación marca una tendencia creciente en el mundo de la música en vivo, donde la tecnología y el diseño convergen para reinventar la forma en que los artistas se conectan con sus audiencias. Rammstein no solo lidera este movimiento, sino que lo redefine con cada actuación.

La relación entre música electrónica e iluminación es intrínseca, con raíces en las raves de los años 90, donde la sincronización de luces y ritmos marcó un hito en los clubes de Berlín. Hoy, esta interacción ha evolucionado hasta convertirse en un pilar de la experiencia en vivo del Electronic Dance Music (EDM), con artistas como Daft Punk, Deadmau5 y Tiësto liderando esta transformación. Justice, el dúo francés compuesto por Gaspard Augé y Xavier de Rosnay, ha elevado esta conexión a nuevas alturas, destacándose como un referente innovador en la integración de tecnología y creatividad escénica.

Uno de los hitos más relevantes en la carrera de Justice ha sido la conceptualización de ‘Iris: A Space Opera’. Este proyecto encapsula la esencia de sus conciertos en una película que no solo es un espectáculo musical, sino también un viaje visual único. Inspirado en los planos secuenciales de 2001: A Space Odyssey y en la energía vibrante de las raves, IRIS se desarrolla en un escenario vacío de público, donde los protagonistas son la luz y el sonido. Vincent Larisson, colaborador clave en este proyecto describió la propuesta como un “vórtice musical de elementos lumínicos”, que emplea una coreografía de paneles LED suspendidos, espejos y maquinaria rotativa para crear una atmósfera hipnótica.

El montaje técnico detrás de ‘Iris’ es extraordinario: trece paneles luminosos independientes con cuatro pantallas LED rotatorias cada uno, capaces de generar infinitas combinaciones visuales. Este sistema se complementa con un muro de amplificadores Marshall iluminado, una característica distintiva de las puestas en escena de Justice. Además, el uso de un suelo negro reflectante agrega profundidad y versatilidad, realzando las composiciones visuales. La ausencia de pantallas LED gigantes, común en espectáculos de EDM, demuestra la intención de Justice de innovar utilizando elementos móviles que reconfiguran el escenario constantemente. ShowSDT fueron los responsables para este gran proyecto en cuanto a la mecatrónica, con un total de 48 elevadores Tour Lift de 250 kg que dieron vida a su podio de iluminación, todos controlados por nuestro software Raynok Control.

El diseño desarrollado para ‘Iris’ no quedó confinado a la película. En su gira ‘Woman Worldwide’ (2018-2024), Justice adaptó gran parte de este montaje para presentaciones en vivo. Durante su actuación en el Coachella 2024 el dúo rompió con las convenciones, alejándose de las pantallas que resaltan a los intérpretes para centrarse en un espectáculo de formas, colores y siluetas dirigidas por un sistema de iluminación motorizado.

Este enfoque minimalista, que realza las figuras de los artistas sobre su icónica mesa de mezcla, ofrece un contraste visual y conceptual frente a otros artistas del festival. La estructura flotante y móvil del escenario, con elementos rotativos conocidos como media spinners, permitió transformar su tamaño y configuración a lo largo del espectáculo, generando una experiencia dinámica y sorprendente para los espectadores.

Una de las innovaciones más impresionantes de las presentaciones de Justice es el control en vivo de la iluminación. Este sistema está a cargo del mismo Vincent Larisson, quien es considerado el ‘tercer miembro’ del grupo según comenta el dúo francés, debido al acompañamiento que le ha dado a lo largo de los años. Su capacidad para ajustar las luces en tiempo real, según las decisiones de los artistas o las reacciones del público, eleva la interacción entre música y escenografía a un nivel superior. Este enfoque elimina la necesidad de programaciones diarias, permitiendo un espectáculo más orgánico y adaptable, donde cada noche ofrece una experiencia única.

Larisson, en el documental de producción de ‘Iris’ narra que originalmente nace la necesidad de ellos entender la iluminación como una parte intrínseca del propio espectáculo y, así, como cuando los DJ mezclan las canciones y efectos, porque es palpable por el público cuando realmente mezclan en vivo y cuando únicamente reproducen un playback ya establecido, lo mismo sucede con la iluminación y la propia performance lumínica como una parte del espectáculo que también debe a la presentación, digna de ser interpretada y modificada eventualmente a cargo de cada público y su energía.

El desarrollo de este montaje comenzó en 2016, con un proceso que involucró diseño, fabricación y ensayos exhaustivos antes de su debut en México en 2017. Esta planificación minuciosa refleja el compromiso del dúo por reinventar la relación entre tecnología y música en vivo.

Justice ha demostrado que la iluminación puede ser un protagonista en la narrativa de un espectáculo. Desde ‘Iris’ hasta sus presentaciones en giras mundiales, han redefinido el estándar de los conciertos de música electrónica, convirtiendo sus actuaciones en experiencias multisensoriales que fusionan tecnología, arte y emoción.

En el universo de los espectáculos en vivo, Coldplay ha elevado la iluminación a un nivel completamente nuevo. En sus giras, los brazaletes LED, conocidos como Xylobands, son mucho más que simples accesorios luminosos; son un puente entre el público y la música, creando un espectáculo visual inmersivo. Desde su introducción en 2012, estas pulseras han evolucionado tanto tecnológicamente como en su impacto emocional y ambiental.

Cada espectador que asiste a un concierto de Coldplay recibe un brazalete LED al ingresar, el cual se sincroniza mediante tecnología de radiofrecuencia o infrarroja con las luces del escenario y la música. Este simple gesto transforma a cada persona en parte activa del espectáculo, generando patrones y animaciones en masa que pintan los estadios con olas de colores, destellos vibrantes y efectos dinámicos. Más allá del asombro visual, estas pulseras crean un sentido único de conexión, donde cada individuo siente que pertenece al espectáculo ya que ellos mismos actúan como lienzo de proyección (en sus muñecas) para crear formas, patrones y secuencias al ritmo de la energía de la música.

La innovación detrás de los brazaletes LED de Coldplay ha estado en constante evolución y en sus modelos más recientes, desarrollados por la compañía PixMob, integran hasta siete LED y microchips que interpretan señales infrarrojas para coordinarse con el espectáculo. Pueden vibrar al ritmo de la música, cambiar de color en sincronía con el estado de ánimo de las canciones e incluso segmentarse en grupos dentro del estadio para crear efectos más personalizados, como ondas de luz, bloques de colores o formas específicas visibles desde cualquier punto.

La funcionalidad de los brazaletes también incluye características inclusivas como la capacidad de convertir la música en vibraciones, para que las personas con discapacidades auditivas puedan disfrutar del espectáculo. Estas pulseras tienen un alcance de hasta 800 metros, ideal para estadios masivos y su batería permite un uso prolongado, con modos de bajo consumo que extienden su duración. Al final de cada concierto se fomenta la devolución de los brazaletes para reciclarlos y reutilizarlos, destacando el compromiso de sostenibilidad de Coldplay.

Además, la banda ha implementado soluciones ecológicas innovadoras en sus producciones. Esto incluye el uso de pisos cinéticos que generan electricidad a partir del movimiento de los asistentes, bicicletas estacionarias que los fans pedalean para alimentar parte del sistema de iluminación, y paneles solares que reducen la huella de carbono. Los brazaletes LED de última generación, fabricados con plástico biodegradable derivado de caña de azúcar, simbolizan este esfuerzo hacia una producción más sostenible. Su diseño cerrado permite que las piezas se descompongan en compost en pocos meses, reduciendo significativamente los desechos plásticos.

La banda trabaja con un equipo creativo liderado por Misty Buckley, quien conceptualiza cada tour con una narrativa visual única. En la gira ‘Music of the spheres’ el escenario emulaba un universo celestial inspirado en la teoría de Pitágoras sobre la “música de las esferas”. Grandes esferas LED, pantallas circulares y una espectacular pared de luces se integraban con el uso de tecnología de última generación, como las luminarias Claypaky Xtylos, que proyectan haces brillantes y precisos, capaces de alcanzar grandes alturas en los estadios.

Los brazaletes, junto con los efectos lumínicos del escenario, confeti luminoso y proyecciones artísticas, convierten a cada concierto en una experiencia multisensorial. La atmósfera creada varía desde momentos íntimos, cuando las luces reflejan tonalidades suaves en baladas acústicas, hasta explosiones vibrantes de energía en los temas más dinámicos.

Coldplay ha demostrado que la tecnología puede integrarse con la creatividad para ofrecer experiencias únicas sin comprometer el medio ambiente. En cada espectáculo, el público no solo asiste, sino que se convierte en parte del espectáculo, iluminando no solo los estadios, sino también la visión de un futuro más responsable y conectado.

En el mundo de los conciertos en vivo, la iluminación se ha consolidado como un lenguaje visual que complementa y eleva la música, convirtiéndose en un componente central del espectáculo. Propuestas como las de Rammstein, Justice y Coldplay ejemplifican una tendencia que está marcando el futuro de los eventos musicales: una apuesta por diseños escénicos que trascienden las pantallas LED para fusionar luz, tecnología y narrativa.

Desde las estructuras cyberpunk y el uso simbólico de la pirotecnia reinventada de Rammstein, hasta las coreografías lumínicas minimalistas de Justice y los brazaletes LED inmersivos de Coldplay, los artistas están redefiniendo la relación entre música y escenografía. Estas innovaciones no solo enriquecen la experiencia del espectador, sino que también establecen un nuevo estándar en la producción musical, donde cada elemento de iluminación juega un papel casi tan protagonista como la propia música.

La evolución de estas propuestas apunta hacia un enfoque más integral, donde la tecnología es una herramienta al servicio de la creatividad. El resultado son experiencias sensoriales únicas que dejan una impresión duradera en el público, reafirmando la capacidad de la música en vivo para emocionar, sorprender y conectar en niveles nunca vistos. Al final, la verdadera magia de la iluminación en los conciertos radica en su habilidad para transformar lo ordinario en extraordinario, haciendo que cada espectáculo sea digno de ser visto como una obra de arte en movimiento.

Referencias

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• López, E. (2022). Feuer Frei! Conoce a Florian Wieder, la mente detrás del escenario de Rammstein. Architectural Digest. https://www.admagazine.com/articulos/escenario-de-rammstein-por-florian-wieder
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• Holbrook, C. (2019, septiembre 16). Review: ‘Iris: A Space Opera by Justice’ is a sensory triumph. Mixmag. https://mixmag.net/feature/iris-a-space-opera-by-justice
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• Kinnersley, H. (2022, agosto 18). Sooner Routhier Creates “Heavenly” Lighting Design For Coldplay. https://www.livedesignonline.com/concerts/sooner-routhier-creates-heavenly-lighting-design-coldplay
• PixMob. (2023). PixMob x Coldplay. Dossier. https://pixmob.com/es/proyectos/coldplay
• El arte de iluminar: Coldplay y sus pulseras LED. (2022, junio 12). Ministerio del Diseño. https://ministeriodediseño.com/actualidad/el-arte-de-iluminar-como-funcionan-las-pulseras-led-de-los-shows-de-coldplay/